DANTZAZ es una compañía especializada en danza contemporánea que desde sus inicios hace trece años, ha apoyado y fomentado las creaciones y producciones de jóvenes creadores con un sello de calidad internacional. Se trata de una formación estable con doce bailarines expertos -que se renuevan de forma constante-, un equipo muy preparado y una importante red de relaciones internacionales en el mundo de la danza contemporánea.
Su nuevo espectáculo, Áureo, inspirado en las proporciones y la variedad, se estrena el 25 de marzo en el TEATRO PRINCIPAL de Zaragoza. Esta producción conjuga cinco coreografías breves de diferentes estilos y disfrutables, por tanto, por todo tipo de públicos. Los creadores de las mismas gozan de gran reputación internacional.
Casi humano, de Itzik Galili
Vivimos aventurando el futuro y nos olvidamos de disfrutar el presente, facilitándole así el trabajo a la muerte. Esta es una de las premisas que desarrolla Galili en su pieza: en la sociedad actual, lo absurdo se adueña de la cotidianidad y dilapidamos los días haciendo planes.
El israelí Itzik Galili es un referente de la danza contemporánea a nivel mundial. Ejerció como director artístico de la NND/Galili Dance (1997–2008) y fue cofundador y Director Artístico de Dansgroep Amsterdam (2009-2010). Además, ha trabajado para múltiples compañías de danza reconocidas y su obra cuenta con más de ochenta trabajos.
Dot to dot, de Lukas Timulak
Esta danza se vertebra en torno a la dinámica del movimiento. Explora las posibilidades del espacio y potencia así las conexiones y la complicidad entre los bailarines. Se recrea en las líneas de unión y en las posiciones fijas y de este modo expone y pone el foco en el comportamiento de grupo y en sus componentes.
Nacido en Eslovaquia, este bailarín y coreógrafo se formó en los ballets y academias más prestigiosos de Europa, hasta que se incorporó al Nederlands Dans Theater, donde empezó a crear sus propias piezas. Su cortometraje de danza “Instrument” (2010), en colaboración con Ruben van Leer, fue premiado en Cinedans, en Amsterdam.
Jugo, de Jone San Martín
Con esta pieza, la coreógrafa busca romper la barrera con el público. Crea un hilo conductor que se entreteje dentro y fuera del escenario y acerca así a los artistas al patio de butacas. Juega con los espacios, las distancias, los encuentros… todo ello para transmitir la sensación de que la función es un intercambio y un guiño de complicidad con los asistentes.
San Martín nació en San Sebastián, ha participado como bailarina y coreógrafa en diversas compañías europeas y actualmente cosecha éxitos por todo el mundo con su solo Legítimo/Rezo y con su conferencia bailada sobre el trabajo de Forsythe.
Momentum, de Christine Hassid
Durante su número, Hassid traslada una sutil pero poderosa reflexión sobre la belleza, sobre la especial necesidad de creaciones artísticas en tiempos de crisis. Domina la provocación, a veces inocente y en ocasiones reivindicativa: reflejo de la convulsión que supone hablar del ansia de lo aparentemente superficial pero hermoso en tiempos de violencia indiscriminada.
Esta creadora francesa comenzó con sus propios proyectos coreográficos en 2007, ganó el premio “Biarritz Dantza” y ha trabajado como bailarina y asistente en centros de todo el mundo.
Gizon Haiek, de Judith Argomaniz
“Ellos, los valientes, ellos, los fuertes, hombres duros e incansables. La vida y la fortuna de estos hombres, se decide en la mar”. Con este lema casi odiséico resume la coreógrafa el contenido de su pieza: una lucha contra la adversidad, contra los propios límites del ser humano y, en ocasiones, incluso contra las impredecibles fuerzas de la naturaleza.
Esta bailarina y coreógrafa donostiarra se formó en el Institut Del Teatre de Barcelona y en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, donde logró la máxima calificación y el premio extraordinario. Ha recibido además galardones por sus trabajos coreográficos tanto en España como en Francia.
Un israelí, un eslovaco, una francesa y dos donostiarras bajo la dirección de Adriana Pous crean Áureo, un juego de sombras que aspira a reflejar la “divina proporción” con números breves -no más de quince minutos- pero a la vez intensos e impactantes.
Con este proyecto, Dantzaz no solo logra evocar la belleza y provocar el disfrute de los espectadores, sino que además prosigue y refuerza su idea fundamental de apoyar a los jóvenes creadores e invitarlos a retarse a sí mismos y a colaborar entre ellos para alcanzar así la excelencia, la esquiva proporción áurea.
Sábado 25 de marzo a las 20:30 horas en el Teatro Principal de Zaragoza
Los que formamos parte de este equipo queremos compartir nuestra ilusión por un nuevo proyecto en el que ya estamos trabajando desde el Centro de Danza de Zaragoza y que dará comienzo en breve. Se trata de DISTRITO DANZA, un programa creativo artístico y educativo puesto en marcha por el Patronato de las Artes Escénicas y de la Imagen del ayuntamiento. En él van a colaborar varios artistas, algunos de ellos aragoneses -os iremos desvelando sus nombres poco a poco- así como la Escuela Municipal de Música y Danza y el Conservatorio Municipal Elemental de Música, cuyos alumnos tocarán en directo. También van a ser protagonistas los estudiantes y maestros de varios centros de educación secundaria, de un centro de educación especial, y un centro socio laboral, quienes durante todo el curso trabajarán en el proceso de creación coreográfica y escenografía. El resultado final se presentará en el Teatro Principal de Zaragoza.
Si queréis conocer un poco más el proyecto, este enlace os llevará a un pdf con información general. Os comunicamos también que, poco a poco, iremos añadiendo más apuntes del proceso en este mismo blog, en una nueva página del menú principal. Y, por supuesto, os animamos a que nos sigáis en esta nueva aventura, que esperamos sea un estímulo para hacer volar vuestra creatividad a través del arte de la danza.
Desde que fue establecido en 1982 por el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI), el 29 de abril se celebra el Día Internacional de la Danza. Esta fecha conmemora también el nacimiento de Jean-Georges Noverre, bailarín y maestro considerado el creador del ballet moderno.
Cada año el ITI encarga a una personalidad conocida del mundo de la danza la redacción de un mensaje que es leído en todo el mundo. El objetivo de esta celebración y de ese mensaje es el de unir todas las danzas en este día, para celebrar esta forma de arte y mostrar su universalidad.
El Mensaje del Día Internacional de la Danza 2016 le ha sido encargado en esta ocasión al coreógrafo neozelandés-samoano Lemi Ponifasio.
Lemi Ponifasio nació en el pueblo de Lano, Samoa. Es uno de los principales artistas de teatro de Nueva Zelanda y un pionero en la evolución del Pacífico en cuanto a danza contemporánea y teatro.Es fundador y director artístico de la MAU, que se estableció en 1995.Su trabajo se ha presentado a lo largo de las islas del Pacífico y en los principales eventos internacionales de arte, incluyendo la Bienal de Venecia, Holland Festival, Festival de Adelaida, Cuadrienal de Praga y Teatro der Welt en Alemania. Este es su mensaje:
KARAKIA (Oración)
Toca el cosmos la fuente de la divinidad, iluminando el rostro de los ancestros para que podamos ver a nuestros niños.
Entretejida por encima, al lado, debajo, armoniza todo lo que hay dentro de nuestra carne y de nuestros huesos y de la memoria.
La Tierra gira, los humanos emigran en masa, las tortugas se reúnen en silenciosa alerta, el corazón está herido.
Haz de la danza un movimiento de amor, un movimiento de justicia, la luz de la verdad.
Los profesionales de la danza que trabajamos en el Ayuntamiento de Zaragoza hemos querido celebrarlo compartiendo nuestro sentir por este arte.
Os invitamos a bailar, a disfrutar del movimiento, del gesto, y a que os acerquéis a ver la programación de esta tarde que tendrá lugar en el patio del Antiguo Cuartel Palafox de Zaragoza a partir de las 18 h. Consistirá en una clase abierta al público con bailarines de laCia LaMov y alumnos del Conservatorio Municipal Profesional de Danza. Tendréis la oprtunidad también de ver bailar una pieza coreográfica ejecutada por dos fantásticos bailarines profesionales.
Buscando en las plataformas televisivas Imagenio, en el apartado «programas» encontré algunas cosas interesantes sobre danza y espectáculos, como el ballet Romeo y Julieta de la Compañía Nacional de Danza de España, del coreógrafo español Goyo Montero (director artístico de la compañía Ballet de Nuremberg, Alemania) y música de Serguei Prokófiev (1891-1953). Grabado en el Teatro Real de Madrid durante el mes de abril del 2009.
Aquí podéis ver un fragmento de uno de los ensayos.
Si os animáis a ver el espectáculo en Imagenio, espero vuestras opiniones. Yo os contaré la mía.
El 29 de abril de 2015 el Servicio de Educación del Ayuntamiento de Zaragoza ofrecerá una serie de actividades abiertas al público a partir de las 18:00 h. en el patio del antiguo Cuartel Palafox para conmemorar el Día Internacional de la Danza. Habrá música en directo, la lectura del manifiesto redactado por el bailaor y coreógrafo Israel Galván, y clases abiertas en las que el público puede participar.
Los profesionales relacionados con la danza que trabajan en el Ayuntamiento de Zaragoza han querido celebrar este día con estas imágenes:
Ya sabéis, a partir de las 18:00 h. en C/ Domingo Miral nº 3, de Zaragoza, en el patio del antiguo Cuartel Palafox. ¡Estáis todos invitados!
En esta ocasión la figura invitada para escribir el manifiesto es el español Israel Galván, coreógrafo y bailaor, renovador del flamenco escénico y ganador de varios premios (entre ellos el Premio Nacional de Danza en 2005 en la modalidad Creación, el Premio Max de las Artes Escénicas al mejor intérprete masculino y mejor coreógrafo en 2012 o, recientemente, el Premio de la Crítica en el Festival de Jerez 2015 por su espectáculo Fla.co.men). Galván ha realizado numerosas colaboraciones en diferentes proyectos y con artistas muy dispares y es, desde 2010, el primer artista español asociado del Téâtre de la Ville de París.
Aquí podéis verlo en uno de sus trabajos más experimentales. Se trata de la coreografía Solo, creada en 2007:
Y este es su manifiesto:
Carmen Amaya, Valeska Gert, Suzushi Hanayagi, Michael Jackson… danza inclasificable. Yo no podría descifrar sus estilos de baile… los veo como turbinas generadoras de energía y esto me hace pensar en la importancia de la coreografía sobre esa misma energía del que baila. Seguramente lo importante no es la coreografía, sino precisamente esa energía, el torbellino que provoca.
Imagino una bobina tesla atrayéndolos a todos y emitiendo un rayo sanador y provocando una metamorfosis en los cuerpos: Pina Bausch como mantis religiosa, Raimund Hoghe convertido en escarabajo pelotero, Vicente Escudero en insecto palo y hasta Bruce Lee en escolopendra.
Bailé mi primer dúo con mi madre, embarazada de 7 meses. Puede parecer una exageración. Aunque casi siempre bailo solo, imagino que me acompañan fantasmas que hacen que abandone mi papel de “bailaor de soledades”. No querría decir Didi-Huberman: de soleares.
De pequeño, no me gustaba el baile, pero era algo que salía de mí de una forma natural y fácil. Casi instintiva. Con el tiempo me di cuenta que el baile curaba, me hacía efecto, casi medicinal, me ayudó a no ser tan introvertido y a abrirme a otras personas. He visto la imagen de un niño enfermo de ébola curándose a través de la danza. Sé que es una superstición, pero, ¿sería eso posible?
Después, el baile, acaba convirtiéndose en una obsesión que consume mis horas y que hace que baile hasta cuando me quedo quieto, inmóvil, apartándome así de la realidad de las cosas. No sé si esto es bueno, Malo o necesario pero…así es. Mi hija Milena, cuando estoy quieto en el sofá, pensando en mis cosas, con mi propio runrún, me dice: papi, no bailes.
Y es que veo a la gente moviéndose al andar por la calle, al pedir un taxi, al moverse con sus diferentes formas, estilos y deformidades. ¡Todos están bailando! ¡No lo saben pero todos están bailando! Me gustaría gritarles: ¡hay gente que todavía no lo sabe!, ¡todos estamos bailando!, ¡los que no bailan no tienen suerte, están muertos, ni sienten ni padecen!
Me gusta la palabra fusión. No como palabra de marketing, confusión para vender un determinado estilo, una marca. Mejor fisión, una mezcla atómica: una coctelera con los pies clavados en el suelo de Juan Belmonte, los brazos Aéreos de Isadora Duncan y el medio cimbreo de barriga de Jeff Cohen en Los Goonies. Y con todos estos ingredientes hacer una bebida agradable e intensa, que esté rica o amarga o se te suba a la cabeza. Nuestra tradición también es esa mezcla, venimos de un coctel y los ortodoxos quieren esconder su fórmula secreta. Pero no, razas y religiones y credos políticos, ¡todo se mezcla!, ¡todos pueden bailar juntos! Quizás no agarrados, pero sí unos al lado de los otros.
Hay un antiguo proverbio chino que dice así: el aleteo de las alas de una mariposa se puede sentir al otro lado del mundo. Cuando una mosca levanta el vuelo en Japón, un tifón sacude las aguas del Caribe. Pedro G Romero, después de un aplastante baile por sevillanas, dice: el mismo día que cayó la bomba en Hiroshima, Nijinsky repitió su gran salto en un bosque de Austria. Y yo sigo imaginando: un latigazo de Savion Glover hace girar a Mikhail Baryshnikov. En ese momento, Kazuo Onose queda quieto y provoca una cierta electricidad en María Muñoz que piensa en Vonrad Veidt y obliga a que Akram Khan provoque un terremoto en su camerino: se mueven sus cascabeles y el suelo se tiñe con las gotas cansadas de su sudor.
Me gustaría poder dedicar este Día Internacional de la Danza y estas palabras a una persona cualquiera que en el mundo esté bailando en este justo momento. Pero, permitidme una broma y un deseo: bailarinas, músicos, productores, críticos, programadores, demos un fin de fiesta, bailemos todos, como lo hacía Béjart, bailemos a lo grande, bailemos el Bolero de Ravel, bailémoslo juntos.
FIVER es una plataforma de ayuda a la creación y la difusión de la videodanza. Las personas que trabajan en la organización, Marco Dugnani, Gonzalo Gómez y Marina Pascual como coordinadores y Samuel Retortillo como director artístico, lo hacen sin ánimo de lucro.
Marco Dugnani y Samuel Retortillo
Marco, además de ser el coordinador artístico, forma parte del equipo TECAD y está en FIVER desde sus comienzos, al igual que Marina y Samuel, impulsor del proyecto. Samuel ha sido compañero de andanzas cuando estábamos todos subidos a los escenarios, así que le hemos preguntado en calidad de director cómo se concibió este festival y cuáles son sus expectativas:
TECAD –¿Cómo surgió la idea de crear este festival? SAMUEL R. – Todo comenzó en el verano de 2012, hablando con un compañero de piso, Roberto Martínez, que es otro bailarín riojano, sobre la falta de plataformas o la falta de organizaciones que difundieran y apoyasen la videodanza.
Contactamos con un centro social en Logroño, el Centro Cultural Ibercaja, y solicitamos que nos cediera el pequeño teatro que tiene para hacer nosotros un pequeño concurso de videodanza. Luego la directora del centro social nos pasó directamente con el Gobierno de La Rioja y nos propusieron hacerlo dentro del Festival Actual, a lo cual dijimos que sí. Les pedimos a cambio que dieran un poco de dinero para premios, ya que nosotros lo organizaríamos de manera gratuita, sin cobrar nada por ello.
El Gobierno dijo que sí. Se hizo esa primera edición y, bueno… fue un “boom”. Recibimos muchos vídeos, de muchos países, la voz corrió rápidamente y empezamos a hacer colaboraciones con festivales de otros países. Me centré sobre Sudamérica porque creía que era un buen comienzo estrechar lazos con Argentina, con Chile, con Brasil… también con Portugal porque había estado bailando allí.
T. –Y repetisteis, porque ya vais por la 3ª edición… S.R. – Sí. El segundo año conseguimos que nos dieran más apoyo. Se volvió a colaborar con otros festivales y empezamos a ampliar las acciones de FIVER enfocándolas a la difusión y educación. En museos, como el CDAN de Huesca, en el museo Würth de La Rioja, que dio un premio, y donde estuvieron un mes expuestos los videodanza seleccionados, siempre con entrada gratuita todo.
Y este último año nos hemos visto sobrepasados por número de piezas. Hemos tenido un jurado de siete personas. Siempre hemos tenido jurado con bastante gente y de diversas áreas para que haya una visión más global de la cinedanza, no solamente hecha por bailarines o coreógrafos.
T. –¿Qué habéis logrado hasta ahora? S.R. – Bueno, yo creo que cada vez nos internacionalizamos más, hacemos colaboraciones con otros países. En España hemos conseguido que haya este foro que, de alguna manera, intenta unir un poco a la gente que se dedica profesionalmente a tiempo parcial o a tiempo total a esto para ver cuáles son los puntos débiles de este género, cómo se puede ayudar entre todos a hacer que sea más conocido… Sobre todo, yo creo que la difusión es lo más importante en estos momentos, ya que no es un género comercial. No es como el cine, no es como la música. No tiene una finalidad comercial y eso es un gran problema porque tampoco se mueve presupuesto ni ayudas para hacerlo.
Hemos contado en España con el apoyo de Nuria Font, por ejemplo, que es una de las personas más importantes dentro del género, con otros festivales como Óxido Fest o Choreoscope.
T. –¿Hay algún área de videodanza que os interese especialmente? S.R. – Nos interesa mucho, quizás lo que más, la parte social: qué se puede hacer con el cinedanza, qué es lo que la danza puede aportar a la sociedad. Por eso también colaboramos con el Festival Mits, de Barcelona, que tiene un trabajo con centros de reclusión, con chavales jóvenes… Dentro del Festival FIVER también hacemos diferentes secciones, por ejemplo, una para documentales, que este año ha ganado un documental sobre videodanza en un centro de menores. A mí me parece muy importante esto, porque al final es una utilidad práctica, un servicio a la sociedad. Y eso también hay que dejarlo claro: que la danza no solamente es un espectáculo, sino que, muchas veces, es un servicio social.
T. –Cierto… ¿Para la próxima edición habrá novedades? ¿Tenéis nuevos planes? S.R. – Este año abrimos las puertas de FIVER porque nos estamos encontrando siempre con muchos problemas para que la gente nos eche una mano activamente. Por ello hemos propuesto una plataforma que se llama International Screendance Movement con el fin de unir diferentes países, de promover la colaboración entre personas de diferentes países para que puedan realizar acciones locales o nacionales y que todas, de alguna manera, vengan a apoyarse unas entre otras. Estamos intentando que en Italia haya un grupo de trabajo, que en Portugal haya un grupo de trabajo, que en Grecia haya un grupo de trabajo… sobre todo para juntar esfuerzos, para conseguir un poquito que todo esto llegue a más gente y que más gente se involucre.
Hay mucho dinero que se invierte: todo lo que es página web, todo lo que es la edición del material… Los técnicos tienen que estar pagados también cuando hacen la edición porque es su trabajo. Nosotros lo hacemos porque… bueno, nos parece importante el hacerlo, pero no puedes involucrar a otra gente que trabaja para esto sin que cobren por ello, aunque todo el mundo que colabora con FIVER lo hace a precios de risa, sobre todo la empresa zaragozana Tropical, de diseño gráfico. Con ellos hemos estado desde el principio y hacen un trabajo excepcional. FIVER no habría sido lo mismo sin su apoyo. Les estamos muy agradecidos porque siempre han estado ahí, y también a las personas que se han incorporado, como Gonzalo Gómez, que es el coordinador audiovisual del Festival FIVER desde hace un año, y a las que se han volcado puntualmente, como Encarna Domingo.
Yo creo que este año seguiremos haciendo la 4ª edición en La Rioja, aunque también nos planteamos que, lo que es el festival, tenga la sede fija en Logroño en el Festival Actual, pero que luego FIVER sea de todos los sitios.
T. –Hoy en día es difícil encontrar organismos o entidades que financien proyectos como el vuestro. S.R. – Sí. Hay un grave problema de sponsor y de apoyo porque no se conoce lo que es el videodanza, por lo tanto no hay interés.
Para mí es muy importante que el mundo de la danza escénica apoye y ayude a la difusión y a la producción de nuevos proyectos de cinedanza. Por eso este año yo creo que un objetivo principal es llevar el cinedanza hacia las compañías y organismos de danza profesionales.
Y el tema de los sponsor es vital. Cualquier acción que llevamos a cabo tiene unos gastos, aunque sean mínimos. Necesitamos también gente que nos financie porque el dinero lo estamos poniendo de nuestro bolsillo casi siempre.
Desde FIVER lo que hemos hecho siempre es que el dinero aportado por el Gobierno de La Rioja se ha invertido íntegramente, quitando los gastos propios que implica hacer un festival (edición, etc.), en premios para ayudar a crear nuevos videodanzas, cinedanzas, o como lo queramos llamar. Creemos que con patrocinios se podrían sufragar los gastos que conlleva el hacer una exhibición.
T. –El dinero es importante, y el trabajo que hacéis de difusión también. ¿En qué consiste? S.R. – Los videodanzas premiados en la primera semana de enero, la semana del festival, representan a FIVER, así que intentamos que tengan una exhibición. Como si fuera una extensión de FIVER en diferentes ciudades, en diferentes países, para que la gente pueda conocer FIVER y conocer el trabajo de estas personas.
También otro apartado que tenemos es la videoteca online, de uso gratuito, para poder ver los trabajos de videodanza que han sido premiados, porque si no es un poco complicado ver un cinedanza. ¿Dónde lo buscas? Es complicado… Llegamos a un acuerdo con los galardonados en que ellos nos ceden el permiso para poder exhibir los vídeos dentro del festival, en el canal oficial de Vimeo.
Nuestro objetivo es que cualquier persona pueda conocerlo, no solo la gente a la que le gusta la danza, o los bailarines. Por eso intentamos siempre que la entrada a los eventos que hacemos sea gratuita o sea con un importe mínimo, comparable al precio de una caña.
T. –¿Cómo ves el futuro de la danza audiovisual? ¿Eres optimista? S.R. – Sí, ¡por supuesto! El mundo del cine, la media naranja de la videodanza, es cada vez más sensible a las posibilidades técnicas y artísticas que puede dar el movimiento de un actor en la pantalla, y los bailarines tienen mucho que aportar en este sentido por el control, la vivencia y la forma de trabajar el movimiento y el cuerpo al ser su principal forma de expresión. Por eso creo que la danza apoyará cada vez más la cinedanza porque es una forma más mediática de llegar al público, y creo que también el cine se acercará al cinedanza, o lo incorporará como una herramienta más de trabajo, porque consigue dar una sensibilidad y una creatividad poco explorada. Además, gracias a las nuevas técnicas, la videodanza tiene muchas posibilidades de enriquecimiento en todos los sentidos.
Samuel termina esta entrevista con unas palabras de Gustavo Cerati, el compositor y cantante argentino que murió el pasado año:
“No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. Gracias totales”.
Y nosotros te agradecemos a ti y a personas como tú todo el tiempo y la energía que nos dedicáis para que podamos seguir disfrutando del arte.
FIVER presenta hoy viernes 10 de abril los videos galardonados en su 3ª edición. Lo hará en Zaragoza, en el Centro Joaquín Roncal, a las 19:30 h.
Desde hace tres años el Festival Internacional de Videodanza Experimental de La Rioja organiza en los meses de enero un concurso internacional en el que participan creadores que presentan sus cortos de videodanza. Se trata de una de las competiciones mejor remuneradas del mundo de la videodanza. El Gobierno de La Rioja otorga 4.500 € en premios y los galardonados tienen la posibilidad de exhibir sus trabajos durante todo el año en otros festivales, salas de proyección, centros culturales, museos, universidades, etc.
Este es el trailer de FIVER 2015, en el que podéis ver una selección de los vídeos que se presentaron al certamen.
Five Days To Dance es el título del documental que se proyecta durante este mes de noviembre en salas de cine de toda España y Latinoamérica dentro de la programación El Documental del Mes.
La película muestra la experiencia que vive un grupo de estudiantes del colegio Larramendi de San Sebastián al enfrentarse a un reto nuevo y muy distinto a lo que están acostumbrados: poner en escena una coreografía con tan sólo cinco días de trabajo. La aventura comienza con una pregunta: “¿alguno de vosotros sabe lo que es la danza teatro?”.
El holandés Wilfried Van Poppel y la española Amaya Lubeigt son los encargados de realizar la coreografía. Van Poppel ha trabajado en el Bremer Tanztheater bajo la dirección de Susanne Linke, es fundador de la compañía de danza teatro DE LooPERS, donde realiza su labor para niños y adolescentes, e impulsor del proyecto Dance4Life en Alemania. Amaya Lubeigt ha bailado en el Ballet de Essen, en el Folkwang Tanzstudio (FTS) y en el Wuppertaler Tanztheater (Pina Bausch). Desde el año 2008 es bailarina y asistente artística y coreográfica en los proyectos que realiza la compañía DE LooPERS.
SUICAfilms y REC Grabaketa Estudioa son las productoras de este documental, dirigido por Rafa Molés y Pepe Andreu. Este filme independiente ha estado financiado en parte por una campaña de crowdfunding y ha contado con colaboradores como Joan Valent (autor de los temas de la coreografía final), el grupo Montefuji (música original) y Paula Bonet (diseñadora del cartel de la película).
Tras haber obtenido el premio Canal Plus dentro de la novena edición del Festival Internacional MiradasDoc, Five Days To Dance ha sido preseleccionado por la Academia del Cine para los Premios Goya con nada más y nada menos que nueve candidaturas, entre ellas: mejor película, mejor documental y mejor dirección novel.
En Zaragoza, el Centro Joaquín Roncal de la Fundación CAI-ASC ofrecerá un primer pase el próximo lunes 24 a las 9:30 h. dentro de la programación dirigida a centros educativos. El jueves 27 a las 19:00 h. habrá otro pase dirigido al público en general.
Ya hemos tenido la oportunidad de verlo y es más que recomendable. Como muchos de vosotros sabéis, en lo que respecta a nuestra labor de difusión de danza, venimos realizando talleres similares con adolescentes de E.S.O. y alumnos de E.P. desde hace varios años. Sabemos qué es lo que se siente en un proyecto así y es realmente emocionante. ¡No os lo podéis perder!
“Si las personas pueden bailar juntas, entonces pueden vivir juntas”
El Royal Winnipeg Ballet de Canadá nos presenta una historia inspirada en el cabaret del mítico Moulin Rouge de París construido en 1889 por el español Josep Oller. El Moulin Rouge ha sido todo un icono de la vida nocturna parisina durante décadas. De hecho, lo sigue siendo. Por él han pasado artistas como Joséphine Baker, Bing Crosby, Dean Martin, Liza Minnelli, Edith Piaf y un largo etcétera. Ha sido también tema de inspiración para pintores, escritores, coreógrafos o guionistas.
En esta ocasión la película-ballet «Moulin Rouge« está coreografiada por Jorden Morris y dirigida por los hermanos Pierre y François Lamoureux, quienes ya habían trabajado en la realización y dirección del filme de Carlos Saura «Flamenco Hoy», al igual que Yves Dion, encargado de la edición y montaje.
El argumento es el siguiente: el joven pintor Mathieu, se enamora a primera vista de Nathalie, una hermosa lavandera. Charles Zidler, el dueño del Moulin Rouge, descubre a Nathalie y se la lleva al famoso cabaret. Nathalie debe esperar hasta que el ensayo con “Diamantes” de Zidler comience. La Sauterelle intenta intimidarla y cuando la gran estrella La Goulue entra, desafía a Nathalie. Tras el debut de Nathalie en el Moulin Rouge, Mathieu se escapa con ella. Cuando Zidler se entera, estalla de celos. Mathieu y Nathalie caen locamente enamorados el uno del otro bajo la luz de la luna de París.
«Moulin Rouge» se estrenó en el teatro en octubre de 2009 y cuatro años más tarde se haría la película. Este ballet fue creado para conmemorar el 70 aniversario del Royal Winnipeg Ballet de Canadá. Jorden Morris, ex bailarín principal de la citada compañía y creador de numerosas piezas y ballets aclamados por crítica y público (uno de ellos “Peter Pan”, obra que se suele representar en la época de Navidad), fue el encargado de realizar la coreografía. En esta entrevista, realizada con motivo de la reposición del ballet por el Pittsburgh Ballet Theatre, Morris relata en qué ha basado algunas ideas: http://www.pbt.org/news/artist-spotlight-choreographer-jorden-morris
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