Se acerca la fecha en que dará comienzo el XXII Festival de Cine de Zaragoza y este año incluye un ciclo muy interesante dedicado a la danza. Compartimos la programación, desde la web del festival, la cual podréis disfrutar desde el próximo martes 21 de noviembre hasta el 2 de diciembre en la Filmoteca de Zaragoza. La entrada es libre hasta completar aforo.
El programa incluye un taller de movimiento: «Narrar con el Cuerpo», impartido por Alejandra Aguirre, autora del documental «FUERA DE ESCENA». Tenéis más información sobre el mismo en el siguiente enlace: Info NARRAR CON EL CUERPO
¡Os esperamos!
Desde siempre, el Festival de Cine de Zaragoza, ha luchado por acercar los diferentes mundos del audiovisual al público, en una incansable búsqueda de lenguajes, técnicas y narrativas que hacen de un certamen de estas características parte de su esencia. Por ello iniciamos con el Ciclo de Cine y Danza un nuevo sendero que intenta indagar…
Buscando en las plataformas televisivas Imagenio, en el apartado «programas» encontré algunas cosas interesantes sobre danza y espectáculos, como el ballet Romeo y Julieta de la Compañía Nacional de Danza de España, del coreógrafo español Goyo Montero (director artístico de la compañía Ballet de Nuremberg, Alemania) y música de Serguei Prokófiev (1891-1953). Grabado en el Teatro Real de Madrid durante el mes de abril del 2009.
Aquí podéis ver un fragmento de uno de los ensayos.
Si os animáis a ver el espectáculo en Imagenio, espero vuestras opiniones. Yo os contaré la mía.
La Obra Social La Caixa ofrece el ciclo DANZA FILMADA dentro de su programación cultural, que comenzará el próximo domingo 17 de enero con la proyección de GISELLE en el CaixaForum de Zaragoza. Se trata de la versión que realiza el American Ballet, con Carla Fracci y Erik Bruhn como bailarines principales. La presentación estará a cargo de la especialista en danza Clàudia Brufau Bonet.
Carla Fracci y Erik Bruhn
Cada mes se exhibirá un filme diferente hasta completar el ciclo, que consta de cuatro sesiones en total:
Giselle – domingo 17 de enero
La Danse (documental sobre la Opera de Paris) – domingo 14 de febrero
Coreógrafos: Duato / Kylián / Forsythe – domingo 6 de marzo
Christopher Wheeldon es uno de los creadores de ballet clásico más importantes de la actualidad. Esta temporada podremos ver dos de sus obras: el martes 16 de diciembre los cines retransmitirán en directo Alicia en el País de las Maravillas, un ballet para toda la familia inspirado en el cuento del mismo título que escribió Lewis Carroll, y el jueves 15 de enero de 2015 Cuento de Invierno, basado en la obra de William Shakespeare, ambos desde la Royal Opera House de Londres.
Wheeldon se formó en la escuela del Royal Ballet. En 1991 ganó la medalla de oro en el prestigioso concurso Prix de Lausanne (se presentó con una pieza que él mismo había creado) y ese mismo año pasó a formar parte del Royal Ballet, donde Kenneth MacMillan le animó a profundizar en el trabajo coreográfico.
Dos años más tarde entró en el New York City Ballet alcanzando el rango de solista en 1998 y se dedicándose plenamente a la coreografía a partir del año 2000. Nombrado artista residente por el director del NYCB, Peter Martins, estrena su primer ballet, Polyphonia, en 2001. Su enorme talento y su capacidad para modernizar el ballet clásico le ha llevado a trabajar para otras grandes compañías como son el Boston Ballet, el San Francisco Ballet o el Ballet Bolshoi.
Alicia en el País de las Maravillas es un ballet clásico en tres actos coreografiado por Wheeldon en 2011. Ha sido el primer encargo de producción completa que ha hecho el Royal Ballet en 20 años.
Este ballet tiene una estructura clásica pero en él confluyen otros estilos e influencias que le dan una nueva personalidad y frescura. La fusión de pasos de diferentes culturas, los guiños a Broadway o las parodias (como la que realiza la Reina de Corazones en su personal “Adagio de la Rosa”) hacen de esta obra un espectáculo vibrante y enormemente divertido.
La música está compuesta por Joby Talbot y la escenografía se debe al diseñador Bob Crowley. Ambos formaron de nuevo equipo con Wheeldon en la producción de Cuento de Inviernoque se estrenó el 11 de abril de 2014.
Os gustará… Recordad:
Martes 16 de diciembre de 2014 a las 20.15 h. en la sala 1 de los Cines Puerto Venecia y en el Cine Cervantes (Zaragoza), Alicia en el País de las Maravillas.
Jueves 15 de enero de 2015 a las 20:00 h. en el Cine Cervantes (Zaragoza), Cuento de Invierno.
Five Days To Dance es el título del documental que se proyecta durante este mes de noviembre en salas de cine de toda España y Latinoamérica dentro de la programación El Documental del Mes.
La película muestra la experiencia que vive un grupo de estudiantes del colegio Larramendi de San Sebastián al enfrentarse a un reto nuevo y muy distinto a lo que están acostumbrados: poner en escena una coreografía con tan sólo cinco días de trabajo. La aventura comienza con una pregunta: “¿alguno de vosotros sabe lo que es la danza teatro?”.
El holandés Wilfried Van Poppel y la española Amaya Lubeigt son los encargados de realizar la coreografía. Van Poppel ha trabajado en el Bremer Tanztheater bajo la dirección de Susanne Linke, es fundador de la compañía de danza teatro DE LooPERS, donde realiza su labor para niños y adolescentes, e impulsor del proyecto Dance4Life en Alemania. Amaya Lubeigt ha bailado en el Ballet de Essen, en el Folkwang Tanzstudio (FTS) y en el Wuppertaler Tanztheater (Pina Bausch). Desde el año 2008 es bailarina y asistente artística y coreográfica en los proyectos que realiza la compañía DE LooPERS.
SUICAfilms y REC Grabaketa Estudioa son las productoras de este documental, dirigido por Rafa Molés y Pepe Andreu. Este filme independiente ha estado financiado en parte por una campaña de crowdfunding y ha contado con colaboradores como Joan Valent (autor de los temas de la coreografía final), el grupo Montefuji (música original) y Paula Bonet (diseñadora del cartel de la película).
Tras haber obtenido el premio Canal Plus dentro de la novena edición del Festival Internacional MiradasDoc, Five Days To Dance ha sido preseleccionado por la Academia del Cine para los Premios Goya con nada más y nada menos que nueve candidaturas, entre ellas: mejor película, mejor documental y mejor dirección novel.
En Zaragoza, el Centro Joaquín Roncal de la Fundación CAI-ASC ofrecerá un primer pase el próximo lunes 24 a las 9:30 h. dentro de la programación dirigida a centros educativos. El jueves 27 a las 19:00 h. habrá otro pase dirigido al público en general.
Ya hemos tenido la oportunidad de verlo y es más que recomendable. Como muchos de vosotros sabéis, en lo que respecta a nuestra labor de difusión de danza, venimos realizando talleres similares con adolescentes de E.S.O. y alumnos de E.P. desde hace varios años. Sabemos qué es lo que se siente en un proyecto así y es realmente emocionante. ¡No os lo podéis perder!
“Si las personas pueden bailar juntas, entonces pueden vivir juntas”
El Royal Winnipeg Ballet de Canadá nos presenta una historia inspirada en el cabaret del mítico Moulin Rouge de París construido en 1889 por el español Josep Oller. El Moulin Rouge ha sido todo un icono de la vida nocturna parisina durante décadas. De hecho, lo sigue siendo. Por él han pasado artistas como Joséphine Baker, Bing Crosby, Dean Martin, Liza Minnelli, Edith Piaf y un largo etcétera. Ha sido también tema de inspiración para pintores, escritores, coreógrafos o guionistas.
En esta ocasión la película-ballet «Moulin Rouge« está coreografiada por Jorden Morris y dirigida por los hermanos Pierre y François Lamoureux, quienes ya habían trabajado en la realización y dirección del filme de Carlos Saura «Flamenco Hoy», al igual que Yves Dion, encargado de la edición y montaje.
El argumento es el siguiente: el joven pintor Mathieu, se enamora a primera vista de Nathalie, una hermosa lavandera. Charles Zidler, el dueño del Moulin Rouge, descubre a Nathalie y se la lleva al famoso cabaret. Nathalie debe esperar hasta que el ensayo con “Diamantes” de Zidler comience. La Sauterelle intenta intimidarla y cuando la gran estrella La Goulue entra, desafía a Nathalie. Tras el debut de Nathalie en el Moulin Rouge, Mathieu se escapa con ella. Cuando Zidler se entera, estalla de celos. Mathieu y Nathalie caen locamente enamorados el uno del otro bajo la luz de la luna de París.
«Moulin Rouge» se estrenó en el teatro en octubre de 2009 y cuatro años más tarde se haría la película. Este ballet fue creado para conmemorar el 70 aniversario del Royal Winnipeg Ballet de Canadá. Jorden Morris, ex bailarín principal de la citada compañía y creador de numerosas piezas y ballets aclamados por crítica y público (uno de ellos “Peter Pan”, obra que se suele representar en la época de Navidad), fue el encargado de realizar la coreografía. En esta entrevista, realizada con motivo de la reposición del ballet por el Pittsburgh Ballet Theatre, Morris relata en qué ha basado algunas ideas: http://www.pbt.org/news/artist-spotlight-choreographer-jorden-morris
La banda sonora de Siete Novias para Siete Hermanosse debe a Gene de Paul, Saul Chaplin, Adolph Deutsch y Johnny Mercer. Sus canciones se integran tan bien en el argumento que resultan una prolongación de los diálogos. Pero quizás la escena más recordada de este filme sea la del baile del granero por su fuerza y vitalidad. En ella destacan las danzas de los hermanos y el resto de pretendientes de las chicas en las que realizan pasos y acrobacias retándose unos a otros.
En esta ocasión se quedan fuera Adam, el hermano mayor, y Benjamín Pontipee, interpretado por Jeff Richards. Éste había sido jugador de béisbol antes de ser actor y no tenía la misma formación en danza que sus compañeros, por lo que apenas participa en la escena.
Con Russ Tamblyn sucedía algo parecido, pues era más gimnasta que bailarín, aunque nadie lo diría porque la danza se le da estupendamente. Tenía solo 19 años cuando se inició el rodaje y desborda energía con sus movimientos y saltos mortales. Años más tarde, en 1961, interpretaría también otro personaje muy recordado: el líder de los Jets en West Side Story. Su filmografía es muy extensa y hoy en día continúa trabajando como actor.
Tommy Rall tenía una técnica excelente. Bailarín de claqué, ballet y danza acrobática, se dedicó además a cantar como tenor en diferentes óperas. Su carrera como bailarín se desvaneció a la vez que lo hizo el género musical, pero nos ha dejado estupendas interpretaciones en coreografías de Bob Fosse o de Gene Kelly. Aquí le vemos en Invitación a la Danza (1956):
No le ocurrió lo mismo a Matt Mattox. Discípulo de Jack Cole, fue uno de los maestros más influyentes en el mundo de la danza jazz en América y Europa al crear un estilo propio al que él llamaba “freestyle dancing”, ya que su idea era que todas las formas de bailar son válidas para expresar. Poseía una formación de danza clásica, pero sus ejercicios se basaban sobre todo en la disociación de las diferentes partes del cuerpo.
Marc Platt (también llamado Platoff) y Jacques D’Amboise fueron bailarines de ballet. El primero bailó coreografías de Mikhail Fokine, Léonide Massine y Frederick Ashton. Formó parte del Ballet Russe de Montecarlo antes de dedicarse al cine como intérprete y de dirigir más tarde el Ballet del Radio City Music Hall.JacquesD’Amboise fue primer bailarín del New York City Ballet y discípulo de George Balanchine. Participó no solo en películas sino también en espectáculos de Broadway. Ha sido profesor y coreógrafo, y fundador del National Dance Institute, del que sigue siendo director.
Michael Kidd, en su empeño de integrar la danza en el argumento, hizo una fantástica coreografía llena de energía y vitalidad. Para él era impensable que unos rudos vaqueros, unos “bootmen”, se pusieran a bailar tal y como se venía haciendo hasta entonces en los musicales. Su idea fue más que acertada. La fuerza de la coreografía, las canciones, el uso de los colores, la vivacidad de las imágenes y la alegría que desprende la película hacen que la cita sea obligatoria.
Ya sabéis: mañana jueves 6 de noviembre en Cines Palafox de Zaragoza a las 21:00h. Ahí nos vemos.
Un productor no se gasta el dinero en crear una película para que acabemos viéndola en nuestra casa. Hay que verla en la gran pantalla. Los amantes del cine clásico musical no podéis perder la ocasión de volver a disfrutar de una de las películas más dinámicas de este género. Tenéis una cita el 6 de noviembre a las 21:00 h. en los Cines Palafox de Zaragoza.
En la llamada “época dorada” de Hollywood, en la primera mitad del siglo XX, eran muchos los estudios de cine que, a modo de fábricas, se dedicaban a la producción de filmes de diferentes géneros, entre ellos el musical. La Paramount, la Warner, la Metro-Goldwyn-Mayer, la 20th Century Fox, la RKO… contaban con una enorme lista de profesionales contratados en nómina (actores, realizadores, guionistas, compositores, coreógrafos, bailarines, diseñadores de vestuario, decoradores, etc. etc.) que hacían posible su funcionamiento.
Uno de los estudios donde más se cultivó el musical fue el de la Metro-Goldwyn-Mayer (el 16 de abril de este año cumplía… ¡90 años!). Personajes como Busby Berkeley, Gene Kelly, Stanley Donen, Donald O’Connor, George Gershwin, Ginger Rogers, Frank Sinatra, Cyd Charisse, Fred Astaire o Arthur Freed fueron solo unas pocas figuras de una larga lista que certificaba la calidad de sus películas.
La Metro constaba de varios departamentos de producción según el género cinematográfico que, a su vez, se subdividían en otras unidades de producción independientes. Una de estas unidades era la del exitoso productor de musicales Arthur Freed. Fue a él a quien dieron mayor presupuesto para llevar a cabo la película Brigadoon, y Jack Cummings, encargado de producir Siete Novias para Siete Hermanos, tuvo que conformarse con bastante menos. Pese a ello, esta última superó todas las expectativas. Rodada en su totalidad en interiores, en formato cinemascope, tuvo más éxito que Brigadoon, estrenada el mismo año (1954).
El guion está basado en el cuento de Stephen Vincent Bénet The Sobbin’ Women, inspirado a su vez en El Rapto de las Sabinas y con momentos que nos recuerdan a Blancanieves y los Siete Enanitos. Adam Pontipee, interpretado por el barítono Howard Keel, es el mayor de siete hermanos sin modales que viven en las montañas de Oregón. Cuando se casa con Millie (la soprano Jane Powell), ésta decide poner orden y enseñar al resto de hermanos cómo tienen que comportarse si quieren conquistar a las chicas del pueblo. A pesar de los consejos no lo consiguen, así que deciden raptarlas.
De izq. a dcha.: Jacques D’Amboise – Virginia Gibson; Russ Tamblyn – Nancy Kilgas; Matt Mattox – Ruta Lee; Marc Platt -Norma Dogget; Tommy Rall – Betty Carr; Jeff Richards – Julie Newmeyer; Jane Powell – Howard Keel
Su director, Stanley Donen, conocía muy bien todo lo concerniente al espectáculo musical, pues había trabajado desde los 16 años en los escenarios de Broadway y dirigido películas junto a Gene Kelly con Arthur Freed como productor (Un día en Nueva York, 1949; Cantando bajo la lluvia, 1952).
Donen contó con cuatro bailarines excepcionales en los papeles principales: Tommy Rall, Marc Platt, Matt Mattox y Jacques D’Amboise y un jovencísimo gimnasta y acróbata, Russ Tamblyn, a los que Michael Kidd supo sacar partido en sus coreografías. Parece ser que el director le había dado total libertad a la hora de crear los números de danza. Michael quería que las escenas musicales surgieran naturalmente de la acción y estuvieran motivadas por el carácter de los personajes. Los protagonistas nos cuentan en este documental cómo se hicieron algunas escenas:
Nueva oportunidad de ver al Royal Ballet en la gran pantalla. Esta vez La Bella Durmiente.
Este fantástico ballet de tres actos y un prólogo se estrenó por primera vez el 3 de enero de 1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. El entonces director del Ballet Imperial Ruso, Ivan Vsevolozhski, encargó la partitura al gran Piotr Ilich Tchaikovski. Este compositor ya había creado anteriormente la música para el ballet El Lago de los Cisnes, coreografiado en esa ocasión por Julius Wenzerl Reinsinger (maestro de ballet en el Teatro Bolshoi de Moscú) y estrenado en 1877 sin éxito de crítica. Para componer La Bella Durmiente, Tchaikovsky decidió colaborar estrechamente con Marius Petipa, maestro y coreógrafo del Ballet Imperial. Su hija Vera Petipa* lo relata así:
“Mi padre comenzaba por concebir el argumento y prever las grandes líneas de la composición de las danzas. Era entonces cuando hablaba con el compositor. Habitualmente Piotr Ilitch llegaba a nuestra casa por la noche e interpretaba trozos de la obra mientras mi padre escuchaba conciliando la música con sus fantasías coreográficas. Ellos trabajaban en el salón. Primero se sentaban en una mesa redonda, después Tchaikovski se sentaba al piano (…)”
“(…) Sólo después de esto era cuando papá trabajaba la puesta en escena durante los ensayos. Él se ocupaba en principio de los primeros y segundos papeles, después del conjunto del cuerpo de baile y, al final, de los alumnos de la escuela que participaban en el espectáculo. Pero era por la noche, en casa, cuando ponía a punto las partes de los diferentes solistas. Concebía cada papel con los más mínimos detalles y hacía algunos croquis de danzas, precisando cada movimiento y modificando sus primeras intenciones en función de las aptitudes de cada bailarín (…)”
La colaboración entre estos dos genios tuvo como resultado una obra excelente, en la que música y danza combinan a la perfección.
Hoy en día es prácticamente imposible representar la misma versión que se realizó hace más de un siglo. El Royal Ballet ha reestablecido parte de la coreografía de Petipa basándose en las anotaciones del que fue director de escena del Ballet Imperial en 1905, Nicholas Sergeyev, a lo que ha sumado las aportaciones de Anthony Dowell, Christopher Wheeldon y Frederick Ashton. Esta versión, con toda su puesta en escena, no solamente capta el ambiente del original sino que muestra que se trata de una obra que sigue muy viva para el Royal Ballet, creciendo y evolucionando con la compañía.
Podemos verlo el miércoles 19 de marzo a las 20:30h. en cines españoles. En este enlace podéis ver el listado de salas donde se va a proyectar:
“Coreografía” es el arte de describir, organizar y fijar movimientos en el espacio. Este arte de saber crear estructuras de movimientos no se emplea sólo en la danza, sino también en otras disciplinas como la gimnasia o el patinaje, en desfiles, en el teatro o en el cine, sobre todo en películas del género de acción. Existe una especialidad teatral, el Stage Combat, que permite a actores y bailarines aprender la técnica de combate de forma que pueden representar una lucha aparente sin que nadie salga dañado.
El combate simulado es tan antiguo como las danzas guerreras. Los griegos lo incluían en el teatro, los romanos escenificaban luchas de gladiadores, y durante la Edad Media se organizaban torneos medievales. Desde hace siglos la lucha estilizada formaba también parte de los espectáculos teatrales de las culturas orientales, como la japonesa, la china, o la india.
En Europa, durante la época isabelina (1558-1625), las luchas en los escenarios eran frecuentes.. William Shakespeare incluía en sus obras escenas de duelos y peleas, lo cual hacía aun más interesante la acción dramática. Esto mismo se trasladará a los ballets que combinan danza con escenas teatrales o pantomima, como son los llamados ballets de repertorio.
Es el caso del conocido Romeo y Julieta de Shakespeare, que ha tenido múltiples y variadas interpretaciones. El primer ballet basado en esta obra se estrenó en Venecia en 1785 (música de Marescalchi y coreografía de Eusebio Luzzi). Otros compositores y coreógrafos se han inspirado en esta historia para crear sus propias versiones, pero de todas ellas quizás la más conocida es la del británico Kenneth MacMillan con música del ruso Sergei Prokofiev, estrenada en 1965 por la Royal Ballet. El día de su estreno tuvo una ovación de 40 minutos… Hoy en día sigue siendo uno de los ballets más bellos y aplaudidos.
Aquí podéis ver un interesante ensayo del enfrentamiento entre Romeo(Edward Watson) y Tibaldo(Gary Avis):
Otra versión famosa de Romeo y Julieta es la coreografiada por Jerome Robbins. El gran Leonard Bernstein compuso la música del musical West Side Story, que se estrenó en Broadway en 1957. Tras el enorme éxito fue llevada al cine cuatro años más tarde. Obtuvo nada menos que diez oscars. Las familias Capuleto y Montesco se convierten aquí en dos bandas enfrentadas: los Jets y los Sharks:
En estas versiones los actores no dejan de ser bailarines (ni los bailarines dejan de ser actores) pero, como decíamos antes, la coreografía no sólo tiene que ver con danza. Hay muy buenos coreógrafos en el cine de acción.
Escenas de luchas con espadas en películas como Los Piratas del Caribe, La Máscara del Zorro, Alatriste, El Señor de los Anillos, o Star Wars, entre muchas otras, se deben al buen hacer coreográfico de Bob Anderson, esgrimista profesional y actor británico. Por cierto, él mismo dobló el personaje de Darth Vader en varias escenas. El también británico William Hobbs colaboró en Las Amistades Peligrosas, Excalibur, Flash Gordon, El hombre de la Máscara de Hierro o Juego de Tronos.
Y si hablamos de artes marciales es Bruce Lee el que marca un antes y un después en las formas de los combates. Muchos otros “Bruces” han querido imitar su estilo pero ninguno ha podido superarlo. En este documento él mismo habla de su método de trabajo y su filosofía.
Otro interesante coreógrafo y director de numerosas películas es Yuen Woo Ping. De origen chino, estudió Kung Fu y el arte de la Ópera de Pekín. Este estilo de ópera china en la que los actores no sólo hacen teatro, sino también mimo, canto, danza y acrobacia, le ha servido para imprimir un sello especial a sus coreografías de acción. La trilogía Matrix, Tigre y Dragón o Kill Bill son sólo algunos de sus trabajos como coreógrafo.
¿Qué os parece? ¿Tiene algo de danza?
Por cierto, parece que Bruce Lee, además de desarrollar su propio estilo, el Jeet Kune Do, de estudiar la carrera de filosofía y formarse en las artes del Kung Fu, el Taichi y practicar boxeo, fue también un buen bailarín… Su hija, Shannon Lee, cuenta que su padre fue campeón de chachachá en Hong Kong.
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